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Exposition  SCULPTER LA COULEURaffiche expo Aiuguste Bartholdi

 

"Le musée du Louvre accueille cet automne une exposition inédite consacrée à la sculpture espagnole baroque, intitulée "Sculpter la couleur - Chefs-d'œuvre du Museo Nacional de Escultura, Valladolid". Présentée au Hall Napoléon, dans le 1er arrondissement de Paris, du 7 octobre 2026 au 25 janvier 2027, elle rassemble 23 sculptures de premier ordre, toutes prêtées par le Museo Nacional de Esculptura de Valladolid, musée national espagnol consacré à la sculpture, dans le cadre d'un partenariat exclusif.

Particularité notable : cette exposition est présentée simultanément et dans le même espace que la rétrospective consacrée à Francisco de Zurbaran, avec une scénographie conçue conjointement pour ménager des jeux de regards entre les deux disciplines. Deux expositions pour le prix d'un billet, et un dialogue artistique rare à ne pas manquer cet automne à Paris.

 Au cœur de cette exposition se trouve un art très particulier à l'Espagne baroque : la sculpture religieuse en bois polychromé. Ces œuvres au naturalisme saisissant étaient conçues pour susciter l'émotion spirituelle des fidèles, représentant saints, Christ en croix et Vierge avec une précision anatomique et une intensité dramatique qui n'ont rien à envier aux plus grandes toiles de la même époque. Peinture et sculpture entretiennent alors des liens très étroits, comme en témoigne la pratique d'artistes tels qu'Alonso Cano, qui ont cultivé les deux disciplines simultanément. C'est précisément ce dialogue que l'exposition rend visible, en plaçant ces œuvres en regard direct avec les toiles de Zurbarán, Velázquez ou Murillo.

Le parcours s'organise autour de plusieurs axes thématiques : le culte des reliques et le rôle des saints intercesseurs, les statues habillées, la représentation des souffrances du Christ et de la Vierge, la dévotion privée et l'Immaculée Conception. Une façon d'explorer les usages de ces sculptures, leur matérialité, leurs inflexions régionales et la personnalité des grands sculpteurs actifs en Castille et en Andalousie. On retient notamment Luisa Roldán, l'une des rares femmes artistes de l'époque à avoir mené une carrière jusqu'à la cour royale espagnole, aux côtés de Gregorio Fernández, Alonso Cano, Juan de Mesa, José de Mora, Pedro de Mena, Pedro Roldán ou encore José de Arce.

Le Museo Nacional de Escultura de Valladolid conserve l'une des meilleures collections d'Europe, et certainement la meilleure collection de sculpture en bois polychromé du continent, avec plus de 3 000 pièces. Fondé en 1842, il est installé dans l'ancien collège Saint-Grégoire, monument historique de style isabélin, et porte son nom actuel depuis 1933. Le fait que ce musée accepte de prêter 23 pièces majeures à Paris, dont plusieurs jamais sorties d'Espagne, mesure l'importance de ce partenariat avec le Louvre."

   Cliquez sur l'image pour voir cette exposition  complémentaire à celle de Francisco de Zurbaran

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Exposition  MONET, "je passe ma vie à peindre"affiche expo Aiuguste Bartholdi

 

 À l’occasion du centenaire de sa disparition, Claude Monet est mis à l’honneur au musée d'Orsay du 30/09/2026 au 24/01/2027, dans la galerie impressionniste (salles 29 à 35) à travers un parcours dédié.

Cinq peintures, récemment étudiées ou restaurées, révèlent une autre facette de son art, moins spontanée qu’il n’y paraît. Retraçant les premières décennies de sa carrière jusqu’au tournant du siècle, ses peintures le montrent tout à sa quête de peindre en plein air et de rendre sa « sensation ». Elles traduisent avec brio l’atmosphère des bords de Seine ou les flots houleux de la mer, la verdure printanière ou l’hiver rigoureux de paysages proches ou lointains, que son pinceau transfigure. Mais sous cette éblouissante facilité se cache une quête acharnée : peindre un tableau de trois mètres dans son jardin ; composer un paysage de neige ; évoquer un repas familial grandeur nature, avec ou sans convives ou encore, très concrètement, décider de vernir ou non son tableau. Autant de questions que s’est posées Monet et qui seront abordées dans cet accrochage, élaboré avec le concours du Centre de Recherche et de Restauration des Musées de France et de Bénédicte Trémolières, restauratrice spécialiste de l’artiste, ainsi qu’avec la participation de plusieurs restaurateurs. L’ensemble nous permet, grâce également à la présentation de quelques lettres, d’aller à la rencontre de l’artiste, au cœur de son œuvre et de son processus de création.

   Cliquez sur l'image pour voir ce beau complément de parcours à l'exposition Monet, peindre le temps

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Exposition  MONET, peindre le tempsaffiche expo Monet,peindre le temps

  "Un paysage, plusieurs lumières : le musée de l’Orangerie, à Paris, explore les recherches de Claude Monet avec l’exposition Monet, peindre le temps, du 30 septembre 2026 au 25 janvier 2027. Organisé pour le centenaire de la mort du peintre, le parcours suit son travail des paysages réalisés en plein air aux Nymphéas. Il s’intéresse autant à l’instant saisi sur la toile qu’au retour sur un même motif, observé sous une autre lumière ou à une autre saison. Une façon de comprendre comment Monet a fait du temps un sujet à part entière de sa peinture.

Considéré dès les années 1870 comme l’artiste impressionniste par excellence — bien qu'il n'ait participé qu'à cinq des expositions du groupe —, Monet développe une peinture fondée sur la captation de l’instant, portée par une touche rapide, des harmonies claires et un travail en plein air. Son œuvre accompagne les bouleversements du XIXᵉ siècle, marqué par l’accélération du temps, la multiplication des horloges dans l’espace public, la synchronisation des rythmes sociaux et le développement des transports (notamment le chemin de fer). Dans ce contexte, la peinture de Monet apparaît comme une tentative de saisir le présent, de traduire la fugacité de la lumière et les transformations rapides du paysage urbain et naturel.

L’exposition trouve naturellement sa place à l’Orangerie, qui conserve cet ensemble unique (les Nymphéas) , qualifié en 1952 par André Masson de "Sixtine de l’impressionnisme". Le parcours invite à réfléchir à la notion de durée, au sens bergsonien du terme, en proposant une immersion progressive dans l’œuvre du dernier Monet. Le spectateur n’est plus face à une succession de moments fragmentés, mais plongé dans une expérience enveloppante où le temps semble suspendu".

En réunissant peintures emblématiques et grandes décorations des Nymphéas dans leur lieu d’origine, l’exposition propose une relecture approfondie de l’œuvre de Claude Monet, en mettant en lumière la manière dont le peintre a accompagné et interrogé les bouleversements de son époque à travers la représentation de l’instant, la série et la durée."

   Cliquez sur l'image pour voir cette très belle exposition et en complément de celle-ci  n'oubliez pas de voir  "Monet, je passe ma vie à peindre" dans le même musée

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Exposition  LE CIRQUE, fabrique de l'art moderneaffiche expo le cirque musee-de-montmartre

  "Avec ses clowns, ses acrobates et ses magiciens, le cirque fait bien souvent rêver les petits enfants. Et ils ne sont pas les seuls à être émerveillés par cet univers. Le musée de Montmartre dévoile "Le cirque, fabrique de l'art moderne", une exposition dédiée au cirque Medrano, une institution de Montmartre, et aux artistes qui se sont inspirés de ce monde du cirque au XXe siècle. Cette exposition est présentée du 16 octobre 2026 au 14 février 2027.

À la fin du XIXe siècle, un cirque célèbre anime le quartier de Montmartre. Le cirque Fernando (plus tard connu sous le nom de cirque Medrano) attire des artistes importants, fascinés par cet univers coloré et toujours en mouvement. Georges Seurat, Fernand Léger, Henri de Toulouse-Lautrec, Marc Chagall, Pablo Picasso, Edgar Degas, Georges Rouault et bien d'autres s'inspirent du cirque et de ses artistes pour créer des œuvres et des langages nouveaux.

Cet univers coloré, ces artistes qui accomplissent des exploits avec leurs corps, cette atmosphère joyeuse et inspirante n'en finit pas de fasciner les peintres et les dessinateurs de l'époque. Pour eux, le cirque est un monde à part, où chacun redevient un enfant aux yeux qui brillent.

Le cirque et ses artistes se retrouvent donc au cœur de nombreuses productions littéraires, musicales et picturales. Les peintres, les écrivains, les musiciens observent les mouvements des corps, les jeux de lumière, la piste circulaire toujours habitée, les costumes... Grâce à cet art du spectacle, les peintres imaginent de nouvelles formes d'art, des dialogues qui traversent les domaines.

Au fil de l'exposition, on redécouvre un petit bout du patrimoine de Montmartre. Pendant des années, le cirque Medrano était une vraie attraction culturelle et touristique. Aujourd'hui disparu, cette institution continue de vivre dans l'art et la mémoire".

   Cliquez sur l'image pour retrouver l'univers coloré et magique du cirque et du Montmartre de jadis

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